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15/16/17 August 1972, Deep purple recording their concerts – 50 years of Made in Japan

UK/IT Version – After the commercial and artistic triumph of their 1972 studio album Machine Head, the hard rock band Deep Purple found themselves under pressure from two record labels to follow it up. Singer Ian Gillan, guitarist Ritchie Blackmore, drummer Ian Paice, keyboardist Jon Lord and bassist Roger Glover (nowadays commonly referred to as Deep Purple Mark II in the rock annals) were signed to Warner Bros. Records for the United States, Canada and Japan, and to EMI for the rest of the world; both big companies knew momentum—or the lack of it— could determine whether a band had a robust career or not.

Between 1970 and 1972, Deep Purple had produced Deep Purple In Rock, Fireball and Machine Head with this lineup, building up their worldwide profile with successful tours from Scandinavia to Australia, Italy to North America. But this was a band about to implode: by June 1973 Gillan and Glover would be gone, but not before a few more triumphs, trials and tribulations.
Deep Purple’s 1972 tour schedule was brutal, and to compound the difficulty a few shows into their fourth American tour Blackmore had to be flown home, suffering from hepatitis. The group played a show in Flint, Michigan, as a four-piece before using Spirit guitarist Randy California as a temporary replacement for one gig, but postponed other shows until their guitarist was ready to get back on stage, which was eventually scheduled for May 25 in Detroit.

Deep Purple was supposed to make their first visit to Japan in mid-May, but the dates were postponed to August 15-17. The Warner Bros. affiliate in Tokyo had been clamoring to have the band record a live album for release only in their country. The group had serious reservations about the idea. Live albums at the time were often hastily constructed stopgaps between studio albums, recorded on less-than-optimal portable equipment. But because bootleg LPs of Deep Purple shows were starting to show up in the “grey market,” they reluctantly agreed to participate, as long as they could have their studio engineer Martin Birch obtain the best possible recording equipment and supervise the live sound.
The resultant double-LP was called Live In Japan in that country, but Warner and EMI didn’t keep it a local phenomenon for long, and titled it Made In Japan when it came out internationally. The U.S. release was in April 1973, four months after EMI’s, because Warner wanted to issue the completed studio album Who Do We Think We Are first. It had been recorded on a mobile studio in Frankfurt and Rome in between live gigs.

Made In Japan was recorded for a total of about $3,000, according to Lord. Performances were drawn from sold-out shows that were hyped up tremendously by the Japanese music press, two at Festival Hall in Osaka and one in Tokyo’s Budokan arena. Birch, still dissatisfied with the recording equipment available, was forced to monitor the show from a control desk backstage rather than from “front of house” as was usual. Japanese audiences were much less rowdy than American or British crowds, and listened attentively, only applauding politely at the end of a song. Though somewhat disconcerting to the band on stage, the decorum contributed to the clear sound quality Birch captured.
The raw 8-track tapes weren’t overdubbed at all. In fact, Birch says Gillan and Blackmore never even heard the tapes before release, and only Paice and Glover showed up for hasty mixing sessions. In a 2014 interview, Lord explained, “Ritchie and Ian weren’t getting on well offstage, but onstage, there was still a massive, important amount of chemistry.”

“It was just good fortune that we recorded that album at the peak of our performing abilities,” Roger Glover said.

The playlist on the original double-LP featured seven songs, four of them from Machine Head, including an epic workout on “Space Truckin’” that took up an entire LP side, clocking in at 19:42. A monumental “Highway Star” kicks off side one, with its awesome slow build grabbing the audience’s attention from the start. The band is absolutely in top form: Gillan is every bit as commanding as Robert Plant or Roger Daltrey, and the Glover/Paice beat drives it all with power. The extended soloing is astonishing: Lord’s organ solo is a scorcher, and Blackmore has a couple of minutes out front that recall the audacity of Jimi Hendrix or Jeff Beck. For much of the time he sounds like he must have at least four hands.

“Child In Time” from Deep Purple In Rock had become one of the band’s most dramatic tunes as it grew muscle during their incessant touring. Paice uses his cymbals to create a chiming backdrop to Gillan’s expressive, quiet storytelling, and then explodes with him when he goes from a whisper to a scream. During live performances of “Child In Time,” Blackmore’s literal moment in the spotlight would find him throwing his guitar in the air, pulling classic rock star poses, slamming his whammy bar, and executing incendiary runs that fused blues, metal and psychedelic elements. As he once told a Guitar World interviewer, “I didn’t give a damn about song construction. I just wanted to make as much noise and play as fast and as loud as possible.

“Smoke on the Water” is the only track drawn from the Aug. 15th show (the Aug. 16th show supplies most of the album content), and somehow it bests the studio version. It’s so energetic, it verges on chaos at times, but the band knows exactly how far to push it. Lord and Blackmore again excel. Warner Bros. took the opportunity to issue a 45 rpm single coupling an edit of the Osaka performance with the Machine Head version, and AM and FM radio stations alike jumped on it, helping drive it to #4 on Billboard’s Hot 100, thereby matching the highest entry of Deep Purple Mark I, 1968’s “Hush.”

“The Mule,” originally on Fireball, is a feature for Paice, who gives it his best Ginger-Baker-with-a-side-of-Buddy Rich panache. He even gets the staid Japanese audience whistling, shouting encouragement and clapping along. In the last two minutes, the band joins in to execute a kind of demented Chuck Berry riff, and then an all-out psychedelic/prog-rock freakout. At a time when drum solos were starting to feel stale, with just about every live rock show featuring one, Paice makes you pay attention.

“Strange Kind of Woman” (with some nutty call-and-response vocal/guitar/drums improvisation starting around the five-minute mark) and “Lazy” (the only track from Tokyo) fill side three. Throughout the 11 minutes of “Lazy,” Lord echoes jazz-blues organists like Jimmy Smith and Richard “Groove” Holmes. He leads with an extremely “overdriven” Hammond organ intro, throwing in a bit of “Louie Louie” and Duke Ellington’s “C Jam Blues,” before Blackmore leads the whole band into the massive riff that blew a thousand speakers. In the waning moments, he toys with Hugo Alfven’s “Swedish Rhapsody #1” melody.

“Space Truckin’” has room for every effect in the Deep Purple arsenal. The band interaction is truly impressive, whether they are executing a designed set-piece or launching an unplanned hunk of impromptu magic. The whole performance is capped with an ending full of fireworks, with Blackmore going full Hendrix a la “Machine Gun.”

The audience is clearly stunned, and is silent for a moment until exploding into raucous applause as Gillan bids them goodnight.

Dopo il trionfo commerciale e artistico del loro album in studio del 1972 Machine Head, la band hard rock Deep Purple si è trovata sotto pressione da due etichette discografiche per il disco successivo. Il cantante Ian Gillan, il chitarrista Ritchie Blackmore, il batterista Ian Paice, il tastierista Jon Lord e il bassista Roger Glover (oggi comunemente indicati come Deep Purple Mark II negli annali rock) hanno firmato un contratto con la Warner Bros. Records per Stati Uniti, Canada e Giappone, e con la EMI per il resto del mondo; entrambe le grandi aziende sapevano che dovevano approffitare del momento per dare alla band una solida carriera.

Tra il 1970 e il 1972, i Deep Purple avevano prodotto Deep Purple In Rock, Fireball e Machine Head con questa formazione, costruendo la loro fama mondiale con tour di successo dalla Scandinavia all’Australia, dall’Italia al Nord America. Ma la band sul punto di implodere: nel giugno del 1973 Gillan e Glover se ne sarebbero andati, ma non prima di qualche altro trionfo, prove e tribolazioni.

Il programma del tour del 1972 dei Deep Purple era brutale e, per aggravare la difficoltà di alcuni spettacoli nel loro quarto tour americano, Blackmore dovette essere portato a casa, affetto da epatite. Il gruppo ha suonato in uno spettacolo a Flint, nel Michigan, in quattro prima di utilizzare il chitarrista degli Spirit Randy California come sostituto temporaneo per un concerto, ma ha posticipato altri spettacoli fino a quando il loro chitarrista non era pronto per tornare sul palco, cosa che alla fine era prevista per maggio 25 a Detroit.

I Deep Purple avrebbero dovuto fare la loro primo tour in Giappone a metà maggio, ma le date sono state posticipate al 15-17 agosto. L’affiliata della Warner Bros. a Tokyo aveva chiesto a gran voce che la band registrasse un album dal vivo da pubblicare solo nel loro paese. Il gruppo aveva serie riserve sull’idea. Gli album dal vivo dell’epoca erano spesso ripieni costruiti frettolosamente tra gli album in studio, registrati su apparecchiature portatili non ottimali. Ma poiché gli LP bootleg degli spettacoli dei Deep Purple stavano iniziando a farsi vedere nel “mercato nero”, hanno accettato con riluttanza di partecipare, a patto che il loro ingegnere di studio Martin Birch ottenesse la migliore attrezzatura di registrazione possibile e supervisionasse il suono dal vivo.
Il doppio LP risultante si chiamava Live In Japan in quel paese, ma la Warner e la EMI non lo lasciarono a lungo un fenomeno locale e lo intitolarono Made In Japan quando uscì a livello internazionale. L’uscita negli Stati Uniti fu nell’aprile del 1973, quattro mesi dopo quella della EMI, perché la Warner voleva pubblicare prima l’album in studio completo Who Do We Think We Are. Era stato registrato in uno studio mobile a Francoforte e Roma tra un concerto e l’altro.

Made In Japan è stato registrato spendendo circa $ 3.000, secondo Lord. Le esibizioni sono state tratte da spettacoli sold-out enormemente pubblicizzati dalla stampa musicale giapponese, due al Festival Hall di Osaka e uno nell’arena Budokan di Tokyo. Birch, ancora insoddisfatto dell’attrezzatura di registrazione a disposizione, è stato costretto a monitorare lo spettacolo da un banco di regia nel backstage piuttosto che da “front of house” come al solito. Il pubblico giapponese era molto meno chiassoso di quello americano o britannico e ascoltava attentamente, applaudendo solo educatamente alla fine di una canzone. Sebbene in qualche modo sconcertante per la band sul palco, il loro decoro ha contribuito alla chiara qualità del suono catturata da Birch.
I nastri grezzi a 8 tracce non sono stati affatto sovraincisi. In effetti, Birch dice che Gillan e Blackmore non hanno mai ascoltato i nastri prima dell’uscita, e solo Paice e Glover si sono presentati per sessioni di missaggio frettolose. In un’intervista del 2014, Lord ha spiegato: “Ritchie e Ian non andavano d’accordo fuori dal palco, ma sul palco avevano un’enorme, importante affinità chimica”.

“È stata solo una fortuna che abbiamo registrato quell’album al culmine delle nostre capacità esecutive”, ha detto Roger Glover.

La playlist del doppio LP originale conteneva sette canzoni, quattro delle quali di Machine Head, inclusa una epica “Space Truckin'” che occupava un intero lato dell’LP per un tempo di 19:42. Una monumentale “Highway Star” dà il via al lato uno, con la sua straordinaria costruzione lenta che cattura l’attenzione del pubblico sin dall’inizio. La band è assolutamente al top della forma: Gillan è imponente quanto Robert Plant o Roger Daltrey, e la ritmica Glover/Paice guida tutto con potenza. L’assolo esteso è sorprendente: l’assolo d’organo di Lord è rovente e Blackmore ha un paio di minuti davanti che ricordano l’audacia di Jimi Hendrix o Jeff Beck. Per la maggior parte del tempo sembra che debba avere almeno quattro mani.

“Child In Time” da Deep Purple In Rock era diventato uno dei brani più drammatici della band durante il loro incessante tour. Paice usa i suoi piatti per creare uno sfondo vibrante per la narrazione espressiva e tranquilla di Gillan, e poi esplode con lui quando passa da un sussurro a un urlo. Durante le esibizioni dal vivo di “Child In Time”, il momento letterale di Blackmore sotto i riflettori lo avrebbe visto lanciare la sua chitarra in aria, assumere pose classiche da rockstar, sbattere la sua barra whammy ed eseguire corse incendiarie che fondevano blues, metal ed elementi psichedelici. Come ha detto una volta a un intervistatore di Guitar World, “Non me ne frega niente della costruzione delle canzoni. Volevo solo fare più rumore e suonare il più velocemente e il più forte possibile.

“Smoke on the Water” è l’unica traccia tratta dallo spettacolo del 15 agosto (lo spettacolo del 16 agosto fornisce la maggior parte del contenuto dell’album) e in qualche modo supera la versione in studio. È così energico che a volte rasenta il caos, ma la band sa esattamente fino a che punto spingerlo. Lord e Blackmore eccellono ancora. La Warner Bros. coglie l’occasione per pubblicare un singolo a 45 giri che accoppiava una modifica dell’esibizione di Osaka con la versione Machine Head, e le stazioni radio AM e FM sono saltate su di esso, aiutandolo a portarlo al quarto posto nella classifica Hot 100 di Billboard, eguagliando così il successo della Mark I, “Hush” del 1968.

“The Mule”, originariamente su Fireball, è una interpretazione di Paice, che mischia Ginger-Baker-with-a-side-of Buddy Rich. Fa persino fischiare il serio pubblico giapponese, gridare e applaudire. Negli ultimi due minuti, la band si unisce per eseguire una specie di riff demenziale di Chuck Berry, e poi una follia psichedelica/prog-rock a tutto campo. In un momento in cui gli assoli di batteria cominciavano a sembrare stantii, con quasi tutti gli spettacoli rock dal vivo che ne presentavano uno, Paice si fa prestare attenzione.

“Strange Kind of Woman” (con qualche improvvisata improvvisazione vocale/chitarra/batteria che inizia intorno ai cinque minuti) e “Lazy” (l’unica traccia da Tokyo) riempiono il lato tre. Durante gli 11 minuti di “Lazy”, Lord fa eco a organisti jazz-blues come Jimmy Smith e Richard “Groove” Holmes. Dirige con un’intro di organo Hammond estremamente “overdrive”, aggiungendo un po’ di “Louie Louie” e “C Jam Blues” di Duke Ellington, prima che Blackmore conduca l’intera band nell’enorme riff che ha fatto esplodere un migliaio di altoparlanti. Nei momenti calanti, gioca con la melodia “Swedish Rhapsody #1” di Hugo Alfven.

“Space Truckin'” ha spazio per ogni effetto nell’arsenale dei Deep Purple. L’interazione della band è davvero impressionante, sia che stiano eseguendo un set progettato o lanciando un pezzo non pianificato di magica improvvisazione. L’intera esibizione è coronata da un finale pieno di fuochi d’artificio, con Blackmore che fa il pieno di Hendrix alla “Machine Gun”.

Il pubblico è chiaramente sbalordito e rimane in silenzio per un momento fino a quando non esplode in un fragoroso applauso mentre Gillan dà loro la buonanotte.

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